Museo Nacional de Artes Visuales

Los moldes, objetos que existen y se usan en un oficio, son reconstruidos para otro escenario, y ese «tránsito» le permite construir casi como artesano. Además, usando esos métodos, instituye un puente entre la techne, lo artesanal y manual y el arte en el sentido que conocemos del término. Los griegos utilizaban la palabra techne, para referirse a la habilidad, artesanía, manufactura, técnica, arte y una forma de conocimiento. Goldwasser preserva la techne: busca la perfección del oficio, persigue el esmero de la ejecución, obtiene las habilidades necesarias y actúa con el poder creativo, mental, intelectual e imaginativo del artista. Mantiene el equilibrio entre ambas esferas que interactúan.
El énfasis que le quiere imponer a la obra y a sus connotaciones tiene diversas variables y depende de una conjugación de raciocinio, intuición y azar.
Lo objetual, lo material, lo espacial y lo tridimensional comienzan a jugar un papel importante en sus postulaciones.


Obra abierta

A Goldwasser le importa el receptor y las maneras en que este capta sus diversas propuestas. Rechaza un discurso visual obvio, evidente, verticalista y univoco, y sus obras estimulan múltiples interpretaciones y lecturas. Las suyas son obras abiertas (Umberto Eco) y generan múltiples posibilidades de interpretación. En la lectura de esas posibilidades juega un papel importante el receptor, quien tiene una participación activa. Él reinterpreta, acercándose a su propuesta y abriendo, a su vez, otras lecturas posibles. Goldwasser genera pautas y reglas inscritas en las obras, pero esas marcas, aunque admiten varias lecturas, no acogen cualquier lectura. Al ver sus propuestas es obvio que las concibe hacia la apertura, pero a la vez hay una relación dialéctica entre «definitud» y «apertura».¹
El receptor crea significados actualizando esas propuestas. Es su participación la que completa la obra. Al mismo tiempo, la obra transforma al receptor, porque este la incorpora a su conciencia, la interioriza y la convierte en parte de su propia experiencia.²

Intertextualidades

Ecos del arte abstracto, del arte geométrico, del arte concreto, del arte conceptual y del arte povera intervienen en las postulaciones de Goldwasser. Él se aleja de todo tipo de representación y narrativa. Los motivos y temas que inspiraron su obra están materializados de manera abstracta, controlada, geométrica y se destaca por su línea creativa de absoluto despojamiento cromático. Su obra es ascética, severa, acorde a las temáticas que menta. Y los materiales que usa son humildes y pobres, o poco bellos, como el pvc y la tela.

En la obra de Goldwasser predomina el silencio. Puede escucharse en el mutismo de los fieltros negros, se oye en la adopción de lo implícito, se siente en las reticencias a revelar un tema o unas connotaciones, se percibe en las interrupciones creadas entre los moldes, se denota en las ocultaciones de sus papeles velados y se observa en la sutileza muda de las marcas sobre papel.
El silencio es un protagonista importante en el arte de los siglos xx y xxi. John Cage fue un precursor,³ Lucy Lippard escribió un artículo titulado, "The silent art"⁴ y Susan Sontag se refirió a la importancia del silencio.⁵ También hablaron de él tempranamente Allan Kaprow y luego Donald Kuspit, entre tantos otros.
Es una manera de hablar, un elemento del diálogo. Genera una zona de meditación más allá del conocimiento; hay silencios elocuentes que resuenan. Con él se llama la atención, se crea un panorama menos contaminado, y el espectador se distrae menos poniendo una atención selectiva. Depurado por el silencio, el arte puede trascender.
Goldwasser demuestra con él estar contra el consumismo estético y contra la violencia de la cultura visual masiva.
Rompe con la referencialidad, extiende el estímulo receptivo de los espectadores, genera extrañamiento y afirma un tejido polisémico.

1 Eco, Umberto: La definición de arte, Barcelona: Ediciones Martínez Roca, 1983.

2 Ver la teoría de la recepción estética, Rezeptionsästhetik, la escuela de Constanza, Hans Robert Jauss y Wolfgang Iser, Peter Uwe Hohendahl y otros.

3 John Cage creó en 1952 la pieza silenciosa 4'33'' estrenada por D. Tudor, el 29 de agosto de 1952, en Woodstock Maverick Concert Hall, en Woodstock, Nueva York, sin tocar ni una sola nota al piano durante el tiempo que marca su título.

4 Lippard, Lucy: "The silent art", Art in America 55, n.o 1 (Jan-Feb 1967), pp. 58-63.

5 Sontag, Susan: "The aesthetics of silence", in Styles of radical will, New York: Anchor Books, Doubleday, 1991.

Curadora: Alicia Haber